最后的泪读后感

一生一次心动

6.绫濑遥

11月26日，“天人之际：蔡志松个展”于上海民生现代美术馆正式开幕。展览呈现艺术家“故国”、“玫瑰”、“云”、“家园”四个系列，以及相关的文献资料，共32组(件)作品。其中，蔡志松为本次展览创作的最新系列“家园”首次与观众见面。本次展览由中央美术学院院长范迪安任学术主持，北大艺术学院副院长彭锋任策展人。展览名“天人之际”出自司马迁名句“究天人之际，通古今之变，成一家之言。”意旨探究天道与人事的联系、历史到现实的变化，形成自己的独家学说。蔡志松的雕塑艺术，正是从对历史的追问出发，最终抵达的是人类生命永恒的痛楚。诗意，在他的作品中不只是云鹤与文人的飘逸洒脱，还同时为这种洒脱带来一种厚重的沉思。蔡志松1997年毕业于中央美术学院雕塑系，之后便留校任教。2001年以青年教师的身份参加法国巴黎秋季沙龙作品展，凭借“故国”系列作品一举获得最高奖——泰勒大奖。在巴黎秋季沙龙近百年的历史中，这是中国艺术家首次获此殊荣。如今，“故国”系列仍在延续。展览以位于美术馆核心筒的新作《我想为你打开这扇窗》开始。该作品既保留了艺术家“故国”系列原有的元素与精髓，又讲述了一个全新概念，将一种圣洁与震撼的力量带给所有观众。艺术家用光芒与迷雾，构造了一种生命哲学的境遇——人在迷雾之中丧失自我，却又在神圣的光芒之中重新得以呼吸。生命的复杂性隐喻为迷雾与砂石，当人们进入到展厅之中，就是进入到自己生命的诸多场景及其纠结的过程。玫瑰进入二层空间后，一只大型的《冬日玫瑰》映入观众眼帘。玫瑰主题是蔡志松隐喻爱情的主题。据他介绍，最初的“玫瑰作品”是铅制的：“铅的光泽既绚丽又纯净;既柔软又沉重;既可塑造又易损毁。它的化学性质稳定，却在融化消亡时会释放出毒素。这种材质正如爱情一样。”此次展出的《冬日玫瑰》则用冰冷的钢来表达瑰丽。而在展览的其他空间，另一组铅制的《方玫瑰》同样传达了艺术家对爱情的思考——既诱人又致命，既脆弱却又永恒。家园经过《冬日玫瑰》后，可以看到艺术家为本次展览创作的新作——“家园”系列之《栖》与《凝》。这些作品主要以鹤、鹿和虎为形象。而在中国文化中，它们寓意吉祥和灵性。当作为雕塑的鹤、鹿和虎的精神性，与作为动物的通灵性结合起来的时候，“家园”系列雕塑的语义张力就彰显出来了——这种张力不是来自正常与反常之间的冲突，而是来自正常与超常之间的不同。在特定的张力中，也体现了艺术家对美好家园的思考和追求。据悉，为了完成“家园”系列，蔡志松在工作室外养了一对梅花鹿，并在黑龙江扎龙自然保护区观察丹顶鹤。“我并不想让这些鹤成为传统意义上的在底座上‘站立’的雕塑，我希望它们‘飞起来’，和展示空间形成关系。”蔡志松说。临近展览尾声的“家园”作品《吼》，则以一个装有感应装置的巨大虎头，再次呼应和营造了展览所呈现张力。云作为第54届威尼斯双年展的参展作品，“云”系列在本次展览中也有全新呈现。作品结合白色砂石、纱幔等不同媒材，营造出一种令人深思的意境。借助“云”的形象，探讨可见与不可见、永恒与瞬间等等的关系。在这洁白无瑕的云朵中，或许会引发我们对于近来日趋严峻的环境危机的思考。故国“故国”系列以历史上的人物为题材，以《诗经》为文化脉络，融合了不同地域、不同历史时期的塑造技法，以具像造型与现代材料语言，传达了艺术家对历史与人性的关注。值得一提的是，这些作品虽然使用古人的形象，但他们的行为与动作，却传达出一种当代人心灵的焦虑、迷茫与痛苦的内心世界。这些情绪从历史的形象中折射出永恒，也同时传达一种美感。故国二字，将给人们带来的不止是伤逝，也是希望，让人性在历史的纠葛中不断振动着生命之翼。“我二十多岁获得‘泰勒大奖’，当时觉得，好像从此以后人生会改变。事实发现，这并没有，我还得一步一步走。于是，逐渐逐渐大家才知道我，逐渐逐渐我才被学术认可，逐渐逐渐进入市场，这个过程，我一直在往前走。我不是像别人想像那样，20多岁就获得国际大奖，之后就怎样怎样了，直到现在，我四十多岁了，还在经历学习的过程。”蔡志松曾告诉雅昌艺术网。文献和放映展览尾声呈现蔡志松的相关文献展和影像放映。观众不仅可以从中深入了解艺术家的艺术经历和创作心路，也能聆听策展人彭锋、学术主持范迪安对于本次展览的深度解读。总体而言，本次展览的动线与空间叙事，即是蔡志松探讨人的生命从混沌、清晰直至哲学的过程。它从艺术家对“信仰中的人”的关注开始，结束于对“历史中的人”的探寻与渴望。观众在巨型空间中穿越隐喻为生命的迷雾，并在玫瑰与仙鹤所构造出爱情和家园之中发现生命的喜乐与孤独。在较为躁动的场景之后，鹿的隐喻会为观众提供一种安静，让展厅成为一个十分富有趣味的沉思的空间，并在云的意象中将自己的生命和宇宙联系在一起。而最后则通过古人的形象与人们内心对故国的留恋，从而将展览升华到身体、历史与生命力的哲学主题中。今日下午，一场主题为“当代雕塑的社会批判与人文关怀”的论坛在上海民生现代美术馆开展。艺术家蔡志松、本次展览的学术主持范迪安、策展人彭锋、路德维希美术馆馆长Beate reifenscheid、《Art in America 美国艺术》杂志主编Richard Vine、中央美术学院教授，博士生导师殷双喜、艺术评论家贾方舟、清华美院副院长张敢、上大美院人文学院院长李晓峰出席论坛现场，分别发表各自观点。据悉，展览持续至明年1月4日。来源：雅昌艺术网

20年前的今天

直肠肿瘤后期上海市徐浦专治

2016年中国美术馆的最后一个大展就是“工在当代——2016第十届中国工笔画大展”，三年一届，9个展厅，分历史回顾展、学术提名展、全国征集作品展三部分，规模不小。但看后却总体感觉传统迷失，远离生活，转型艰难。当代工笔画目前有很多问题需要直视，解决好这些问题，未来才有望良好发展。中国工笔画学会自1987年成立，至今已经30年了。历史不算短了，中间起起伏伏，经历过画种被“边缘”，这几年又一度热得发烫，在参展数量上大大超过写意画。但给人的感觉是“虚热”发飘，没有底蕴，关键是鲜有精品力作问世。本届工笔画大展给人最深的印象是“画不够，新来凑”，很多跟工笔画毫无半点关系的作品也打着工笔画转型的旗号参展，不知该为工笔画的新意而高兴呢，还是为工笔画的沦落悲哀。当代工笔画究竟应该怎样转型才算是成功的?工笔画与当代发生关系的“点”在哪里?工笔画语言的拓宽到底有没有底线?为什么说近年工笔画发展的成绩不大?本次第十届大展没有涌现出令人深刻印象的画作，从这一点上说，应该是有遗憾的。在历史回顾展的特邀部分中，一些老画家的代表作尽管已经过去了二三十年，但仍然耀眼生辉，吸引了大批观众的眼球。如冯大中1986年创作的老虎《惊梦》，何家英1988年创作的人物画《酸葡萄》，李魁正1980年创作的花鸟画《翠鸣秋艳》，徐启雄1984年创作的《决战之前》，画前摩肩接踵，照相者无数，而那些所谓的新人新作却乏人问津。没有精品力作，当代工笔画就难以奢谈什么成绩和进展，只有涌现新时期的人所共知的代表作，当代工笔画的成就才能令人信服。工笔画的创新到底方向何在?工笔画虽然是开放的，但不能没有底线，超越了底线，工笔画就不是工笔画了，就沦为了其他画种的附庸，工笔画的“杂交”一定要掌握分寸，步子过大就会迷失自己。本次展览中很多作品并没有运用到传统工笔的材质、技法、主题、艺术语言，让人不禁怀疑这些是“工笔”作品吗?那么“工笔”在当代还剩下什么呢?策展人之一吴洪亮在接受采访时谈道：“工笔还剩下的是‘态度’，是新世纪前后生成的一种对工笔画的新的认知。”如果工笔画连底线和自己都迷失了，徒有“态度”又有何用呢?必须承认，没有传统的继承，就不可能有真正的创新。本届工笔画大展在传统继承上就显得十分薄弱，真正有继承出新意的力作寥寥无几。说到传统，就不能不说到此次大展中的潘絜兹1954年画的《石窟艺术的创造者》，郑乃珖1956年画的《水乡春色》，还有1981年喻继高画的《牡丹双鸽》，这些画作沿袭了工笔画千年来的传统，精细严谨、生动传神，历久弥新，非常耐看。潘絜兹在1988年首届工笔画大展时曾说：“复兴不是复古，而是这门衰微已久的艺术获得新生。”但复兴也不是推倒重来，丝毫没有半点传统工笔画技法与古意的所谓新工笔画，绝不是工笔画的新生，而是另一种形式的背叛。工笔画在民国和新中国成立初期获得空前发展，诞生了许多工笔画大家，如于非闇、陈之佛、任率英、田世光。上世纪80年代后期，蒋彩萍推出工笔重彩画派，使工笔画再获新生。进入上世纪90年代，何家英将工笔画与写意画有机融合，开创了一代新工笔画画风。回顾这些工笔画名家，无一例外都是在继承传统的基础上出新，可见传统是创新的基石。本届大展中有些作品使用综合材料，更有些连水墨都不是，而是彻头彻尾的装置，这些作品也妄称是工笔画，这种外延使工笔画不再需要任何技巧和功夫，不再需要向传统学习，只要起个花哨的名字，就是新工笔了。工笔画似乎没有了门槛，谁都可以称自己是工笔画家，工笔画沦为一种谁都可以参加的游戏，工笔画家可以一日速成。工笔画不再需要从前那样一笔不苟的刻画，而是只凭一个概念就可以搞定。远离生活使工笔画的题材陷入枯竭，于是大家纷纷寻找新鲜样式，追求一味新潮，而不是在题材和内容上下功夫。本届大展也不乏一些表现生活的好作品，如一幅纸本重彩作品《岜莎遇见》，描绘了少数民族的生活片段，打动了笔者的心底。但这样的作品不是很多，更多的是靠概念和制作取胜，显得十分苍白，与观画者没有交流。本届工笔画大展的山水画数量也很少，只有一幅青绿山水还不错，在山水画和风景画上甚至还不如去年的重彩画大展丰富和高水准。“图像化”是近年国内工笔画的最大陋习，一提新工笔画，就是图像，画得越来越像版画、摄影，徐累的工笔画风靡一时，在拍场动辄百万，于是大家纷纷效仿，满眼都是图式，工笔画“图像化”一时泛滥成灾。工笔画丧失了笔，完全沦为图像的奴隶，工笔画只剩下僵硬的制作，制作化使工笔画丧失灵魂，工笔画的本色还保持了几分?工笔画的特色还要不要坚持?“工在当代”难道就是“去工笔化”?“装置化”是当前工笔画的歧途，尽管显得很时髦，但笔者却以为远离了工笔画的根本，只关注了外在形式，而忽略了内在本质。综合材料作品《守望者》，猛看就是个雕塑。本届大展的提名委员杭春晓认为：“本届大展引进了策展团队的机制，这在国家官方展览中是第一次。策展团队的共识是，在新的状态下，我们该如何重新认识工笔画的外延?通过边界拷问，实现对工笔画既定看法的检讨。”他透露，本届获得更大突破——在材质上，水墨、装置、video等都进入展览中。因此展览的最终呈现可能会引发争议，有些作品并不是以“勾勒填色”等惯常的工笔手段为主的创作语言。笔者以为，工笔画的外延是有限度的，如果超越了限度，既不是画，也不是工笔，就非常不靠谱了。笔者转到最后，看到了《千里江山图卷》，北宋王希孟的千古杰作，没有当今工笔画花哨的样式，但精致的笔法和宏伟的构图，给观者以心灵的强烈冲击和震撼，900年后仍被后人景仰，不愧是名垂千古之作。想当年，王希孟花费了半年时间才成就此长卷，呕心沥血，20出头就去世了。笔者在观展中发现一个有趣的现象，凡是那些有传统富古意、技法扎实深厚、表达现实生活的作品，画前都有人驻足欣赏研究，而那些貌似新颖的图像、装置类所谓外延型新工笔画，作品前空空荡荡，喜欢、热爱工笔画的人们用行动做出了选择。所以，笔者认为当代工笔画的转型和外延值得商榷，工笔画的图像化和装置化倾向不该过度泛滥，工笔画的传统精华不该被轻易抛弃，工笔画不需要推倒重来，工笔画离开生活就无法打动人，工笔画的未来发展需要好好引导一番。总之，工笔画需要尊重，工笔画的新生不是以打倒旧工笔为前提，继承出新，才是一条行之长久的可行之路。来源：新浪收藏 作者：牟建平

2019北京世园会于2019年4月29日在北京市延庆区长城脚下正式开幕。

11月的上海，迎来了中国全年最火热的“当代艺术嘉年华”。由两年一度的上海双年展领衔，同期开幕的当代艺术展数以百计，在美术馆、画廊及非盈利机构组成的多层次展示空间，均安排了最有份量的年度压轴戏。精彩纷呈的活动使得11月的上海已成为全球艺术日程的重要一站。11月7日中午12点，在绵绵细雨中开幕的“上海西岸艺术与设计博览会”(简称“西岸艺博会”)藏家预展，即是这场年度盛会的开场。进一步的“全球化”通常，参展画廊的名单，是一个艺博会最重要的价值“筹码”，也最能体现艺博会的定位。步入第五年的西岸艺博会汇聚了亚洲、欧洲和北美洲的逾110家画廊，其中主画廊单元由2017年的39家陡增至87家，增幅超过一倍。大幅扩容后的展商名单仍继续强化“与国际接轨”的重要特色：卓那(David Zwirner)、高古轩(Gagosian)、白立方(White Cube)、佩斯(Pace)、豪斯沃斯(Hauser & Wirth)、贝浩登(Perrotin)等一批拥有全球连锁机构的“超级画廊”悉数到场。其中以代理明星艺术家草间弥生(Yayoi Kusama)、村上隆(Murakami Takashi)、曾梵志而在中国广为人知的高古轩为首次参展。起源于瑞士的巴塞尔艺博会(Art Basel)是全球排名首位的国际艺博会，展商数量超过200家，每年在瑞士、迈阿密、香港三地举办，“专业”、“高端”是它最重要的标签，令其拥有难以撼动的行业地位。因此，能否进入“巴塞尔”，常常是判断画廊资质的重要参数。稍作对比即可发现，登陆西岸艺博会的欧美画廊大多来自于有“高阶版巴塞尔”之称的瑞士巴塞尔;而参展的亚洲画廊基本来自于有“入门版巴塞尔”之称的香港巴塞尔。总之，从展商名单看，上海西岸艺博会颇有“小型巴塞尔”的意味，目前能够达到相似品质的艺博会在全球也不过十家左右。关于上海西岸西岸艺博会的壮大和“上海西岸”这一城市新兴板块的崛起几乎是同步的，其背后的推动者同为上海西岸开发集团(简称“西岸集团”)，它是一家国有独资企业，是“后世博”时代徐汇区打造“西岸文化走廊”的主要执行者。连续举办五年的西岸艺博会已成为这个“走廊”里一年一度最为火爆的当代艺术盛事，是西岸集团主打的“艺术名片”。今年西岸艺博会公众开放日引爆了前所未有的热度，展厅外是等待购票的长龙，展厅里是人头攒动的参观者。“上海西岸”覆盖了徐汇区东部黄浦江畔面积为9.4平方公里的区域。这里曾是20世纪民族工业的发源地之一，不乏百年历史的车站、机场、码头、工厂，但在2010年启动“黄浦江两岸综合开发计划”前，这里虽然接近徐家汇的闹市区，但却人迹罕至，被荒废的厂房和仓库占据。2012年开始，作为提升文化含金量的重要举措，参照纽约中央公园“博物馆一公里”的概念，西岸集团着力吸引了一批重量级的艺术机构入驻，如龙美术馆、余德耀美术馆、上海摄影中心、油罐艺术公园以及即将建成的星美术馆及蓬皮杜艺术中心，在这些机构的带动下，一批在业内具有影响力的画廊、艺术家工作室也紧随其后，落户西岸。在短短的几年间，一个由艺术空间串联的滨江景观带已初具规模。与此同时，这一带的绿地、道路、创业园区、酒店等基础设施也不断地提升改进，吸引了一批具有特定趣味的人群，令其具有了某种新派上海生活方式的示范意义，使得这里成为近年来上海房价上涨最快的区域之一。西岸艺博会的举办地点叫西岸艺术中心，位于上述艺术景观带的核心区，其主体建筑是一栋挑高13米的飞机厂房。2018年9月，因召开世界人工智能大会的需要，由同济大学袁烽教授设计的“峰会B馆”迅速完工，在与旧飞机厂房一路之隔的地点，建造起8千多平方米富于科技感的3顶巨型帐篷。这为2018年西岸艺博会的大规模扩容提供了令人艳羡的物理条件。掌门人的多面性艺术总监周铁海是西岸艺博会的掌门人，他在90年代已是具有很高成就的观念艺术家，其作品睿智幽默又兼具对现实的敏感和批判力，曾参展威尼斯双年展、卡塞尔文献展等重量级国际大展。艺术家周铁海也是一位艺术活动家，有“中国当代艺术教父”之称的栗宪庭曾将他誉为“中国当代艺术的催化剂”。2006年，在完成了上海美术馆的个展“另一种历史”后，他逐渐淡出创作领域，去面对一盘更大的艺术棋局。2007年，他帮助法国收藏家皮埃尔?于贝尔(Pierre Huber)创立了上海艺术博览会国际当代艺术展(Sh Contemporary)，这是中国第一家参照国际标准建立的艺博会，一经问世即得到业内的高度评价，但由于主办方意大利博洛尼亚展览集团的原因，周铁海在一年后离开，这个艺博会也在几年后夭折。2008年，他受聘于上海民生艺术中心，成为首任执行馆长，并在5年任期内持续推出了一系列足以写入中国艺术展览史的重量级展览。2013年，周铁海接到西岸集团的邀约，面对一座高大而明亮的巨型飞机厂房，他再次燃起了打造一家具有国际水准的艺博会的雄心。他的艺术视野与行业人脉，奠定了西岸艺博会得以成功的重要基础。与人们印象中的艺术家不同，周铁海的行事作风向来低调而务实，几乎从不接受媒体采访，在宾朋满座的开幕晚宴上也往往只有不足十个字的贺词。他将更多的注意力投注到展览本身，把展览当作一件艺术品来精心打造，将展出效果的“品控”尽可能做到了极致。2018年，扩容后的西岸艺博会以双馆亮相，场地面积接近2万平方米，提供给周铁海以更大的施展空间，也带给参观者更多惊喜，在展示的专业度上再次得到了一致的好评。竞争者与区域共生者与西岸艺博会构成竞争关系的，是同期举办的上海廿一当代艺术博览会(简称“Art021”)，这个以上海电话区号命名的艺博会创始于2013年，早于西岸艺博会一年。“80后”创办人应青蓝、周大为在艺术界的主要身份是青年收藏家，另一位联合创办人包一峰同样热衷于当代艺术收藏，并有时尚圈“公关一哥”之称，在奢侈品领域颇具优势，也与诸多对艺术感兴趣的明星相熟，周杰伦、刘嘉玲等一线明星都是Art021的常客，2018年也不例外。明星的参与为艺博会融入了更多的时尚因素，制造了社会话题，吸引着更为宽泛也更为年轻的观众群。创始团队的“收藏”基因，使Art021在收藏家中拥有良好的口碑。自2015年始，它持续以上海展览中心作为举办地，这座始建于1955年的苏式建筑地处市区繁华地段，周围聚着更多的“有钱人”。2018年的Art021较西岸艺博会晚一天开幕，但两家同在中国的网络购物节“双11”闭幕。经历扩容过后的西岸艺博会与Art021均有约100家画廊参展，同等的规模加之几乎重合的档期安排，给所有的参与者提出了一个尖锐的问题：是在同质化的竞争中最终拼个你死我活，还是在进一步差异化的竞争中再次把蛋糕做大，实现共赢?在Art021主会场旁的展厅里，由云图创意媒体和源自伦敦的ABC论坛 (The Art Business Conference)主办的“艺术创想峰会”也在同期举行。来自艺术产业各个链条的画廊主、拍卖公司总裁、藏家、策展人、艺评人等讲者分享了对艺术行业的思考。其中，艺术策展人Francesco Bonami直言不讳地指出：“艺术双年展将死!”他说，“当今世界，艺博会和双年展越来越多。但艺术家就跟网球明星很像，好的极少。打网球的很多，但能打四个大满贯的很少。这个产业要做的是把最优秀的艺术家挑选出来，而不是一味扩张艺博会和双年展。”的确，当代艺术展会的增量空间最终会受制于一个最基本的现实——到底有多少好的艺术家。狼来了，市场还在么?如前所述，西岸艺博会最大的特色也是最核心的优势是“与国际接轨”。但与这个看上去已相当“国际化”的博览会有所不同，它所对应的内核并不是一个真正国际化的市场。最重要的缺席者是那些本应来自世界各地的买家们，甚至连日本、韩国、印度及东南亚地区的周边地区买家都鲜有到场者。因此，西岸艺博会更像是为中国本土收藏家订制的一场国际水准的豪门盛宴，难怪不断有本土的艺术界人士惊呼“狼来了”。和很多领域一样，这里的“国际化”意味着接受欧美文明的洗礼。狼来了与否，最直接的验证是博览会的成交情况。就艺术媒体的不完全统计，在开幕当日多数欧美画廊已宣称各自有超过几十万美元的作品售出。比成交额更令本土画廊艳羡的，是他们“不差钱”的姿态。卓纳画廊宽阔的展位上只展出了一件丹?弗莱文(Dan Flavin)的装置《无题(致索尼娅)》，这件售价350万美元的极简主义作品，仅由几十支普通日光灯管构成，挑战着买家对艺术的既有定义。画廊的中方经理许宇更是不加掩饰地表示：“即便暂时卖不掉也算是做了一次市场教育。”于此同时，早在多年前就已归入欧美画廊旗下的中国明星艺术家们也有不俗的表现。刘小东是中国当代艺术中的常青树，持续被国内外藏家关注，是当之无愧的“蓝筹”，他的大尺幅近作《你的城市之一》(2017)被放置在英国里森(Lisson)画廊最显要的位置，从A馆入口就可以远远地望见，在开幕当日以60万美元售出。王兴伟是最近5年市场热度飙升最快的中国艺术家之一，他刚刚完成的新作《生命的邂逅》被瑞士麦勒画廊代理，这幅标价200万元人民币的油画亦在开幕首日售出。在高手云集的海外画廊面前，中国本土画廊显得格外孱弱。在资本、客户、品牌及人才等多个方面都存在着显而易见的差距;被西方世界垄断的“当代艺术”话语权，更是一道难以逾越的鸿沟。即便如此，还是有一批本土画廊相信，尽早“与狼共舞”才是成长之道。他们带来的余友涵、汪建伟、张培力、冷光敏、黄宇兴、宋琨、韦嘉、屠洪涛等艺术家的作品，售价从350万至几万元人民币不等，且在开幕首日均有成交。大型艺博会是艺术市集的终极形态，交易的成败是艺博会永远的话题，也反映着艺术市场的阴晴冷暖。瑞士巴塞尔艺博会联合瑞银集团发布的《2018全球艺术市场报告》指出，中国艺术品市场10年内增长4倍。虽然中国当代艺术领域的生态系统还有待健全，但在势不可挡的全球化浪潮面前，中国当代艺术市场的成熟速度定会超过想象。

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“一地四季，十里不同天”

2016年，李源成立上海李源公益基金会，宣传救助尘肺病患者。她的基金资助项目一直延续至今。

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END——

2006年，林志玲拍戏时，从马上摔下来，摔断了六根肋骨。言承旭从国外赶回来探望，但言承旭却没有在他最需要的时候袖手旁观林志玲。