临别赠言的诗句精选

青铜葵花的读后感多篇

“你又不是不会演戏。为什么非要模仿有胡子的火风和没有胡子的刘欢？”

2001年，他们选择了和平离婚。

6年后的2020年底，周迅非常高调的婚姻结束了。

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2010年获得第二届音乐风云榜新人盛典年度全能新人奖。同年以歌手身份参加首尔G20亚洲音乐节，获得亚洲巨星奖。2012年，主演了自己的第一部电影《花漾》。2014年主演台湾省偶像剧《你照亮我星球》。同年与张茵、韩承羽、艾米莉合演由韩国小说《单身村》改编的都市情感剧《只因单身在一起》，饰演性格乖张有恐高症的男主角乔余省。

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11月15日晚，嘉德拍卖标志性的 “大观”之夜以9.2亿元落槌，与春拍的9.54亿元基本持平。其中，李可染《万山红遍》拍出1.84亿元，成为今年内地秋拍首件突破亿元大关的拍品。但从整体成交情况来看，精品普品、热门冷门两极分化趋势加剧，二三档画家作品难以再上高价位区间，中国当代艺术市场依然冷清，但是藏家趁机搜罗好货的积极性变高。红色经典被炒高?《万山红遍》是李可染上世纪60年代根据毛泽东诗词《沁园春·长沙》中“万山红遍，层林尽染”的意境创作的，一共有七幅，其中四幅分别收藏于中国美术馆、北京画院、家属收藏和北京荣宝斋，另外两幅海外藏家收藏，数十年未在市场上露面。此次嘉德上拍的《万山红遍》原是北京荣宝斋的旧藏。40多年前，北京荣宝斋花了80元将其收入囊中。 2000年由北京荣宝斋拍卖释出，被海外藏家买走，以501.6万元的成交价创下当时李可染单幅作品拍卖纪录。在今年的经济形势下，各家拍卖公司在秋拍征集阶段就已感受到艰难，不少专场在拍品数量上有所减量，。艺术市场评论人士牟建平认为，1.8亿元价格有点高，相对于中国美术馆收藏的《万山红遍》，嘉德秋拍的《万山红遍》属于小幅，再出手时能否过亿难说。不过他表示秋拍规模精简，能有《万山红遍》 已是难得。所谓“红色经典”，是指创作于1949年至1979年之间，采用现实主义手法创作的反映中国革命历史和新中国社会主义建设历史的作品，因此也被称作“新中国美术经典”。据牟建平介绍，龙美术馆馆长王薇是国内红色收藏的代表人物之一，她多年大举收藏红色经典油画，曾经把一个红色经典专场拍卖80%的拍品都包下了，掌握了红色经典油画的市场定价权和话语权。一个有趣的现象是，好像每当艺术品市场困难时，红色经典作品就会现身拍场，而且其中总能有高价成交者，俨然是提振市场人气的救星。牟建平认为，红色经典作品是特殊年代产物，不仅是艺术作品，还凝结着一些复杂的情感、怀旧等因素。牟建平认为经过时间洗礼，红色经典将恢复艺术本来价值。藏家竞价表现理性“古画是老当益壮，最近几年越来越显示出其在整个收藏板块的力量。”拍卖公司对古代书画市场十分有信心。业内人士认为，古代书画市场表现一直稳健，虽然“大观”之夜没有亿元高价出现，但也说明古代书画收藏还在一个正常的生态之中，藏家表现理性反而有利于市场长远发展。春拍中潘天寿《鹰石山花图》以2.79亿元的高价成交，此次嘉德又征集到两件潘天寿的不同风格大尺幅作品。其中，潘天寿的《劲松》以9315万元被龙美术馆收藏。市场可流通的潘天寿作品数量十分有限，近2米的巨幅作品更是屈指可数。《劲松》的成交价接近亿元，但又没有超过亿元，被藏家津津乐道为拿捏恰当，不高不低的价位与当下市场形势十分吻合。不过，近现代书画拍品中还有一件估价待询的齐白石《叶隐闻声》工笔草虫册页，被评论为是亿元后备，保利拍卖负责人表示，2009年秋拍时齐白石《可惜无声》在北京保利以9520万元为龙美术馆竞得，而《叶隐闻声》为18开，尺幅更大，有望突破《可惜无声》的成交纪录。牟建平认为嘉德大观夜场和春拍表现基本持平已属不易，秋拍书画市场没有继续下跌就是好现象，人气不能作为市场判断，要看总成交数据。二流、三流画家作品下跌仍然很明显，如何海霞的山水画镜心春拍到五六百万元，秋拍目前还不到百万。他认为艺术品市场下滑后，纯粹投资的人多数都离开了，拍卖价格变得比较理智了。中国嘉德书画部总经理郭彤接受媒体采访时表示， 9.2亿的成交额可以说给市场一个积极的信号，同时也说明不论在怎样的经济环境下，拍品的质量凝聚一切，在拍品中能看到多少价值，市场就能体现多少价值。市场越来越成熟，买家也越来越挑剔，说明市场正在面临转型，藏家多年经验的积累，对于精品的追求和下手也是越来越狠。当代艺术悲观中的勇气对于首次亮相嘉德的现当代夜场，业内人士认为不论成交如何，都应该点个赞，特别是在此时此刻中国当代艺术市场的一片冷清和悲观之中。从拍卖结果来看也许在人们意料之中。26件作品总成交额为1.2759亿元，成交率达96%;为纪念中国“85新潮”三十年而特设的专场13件作品，成交额为2988.8万元，成交率为100%。现当代艺术日场和夜场的总成交额为2.119亿元，五个专场的总成交率为86.2%，其中日场拍卖中的沙耆比利时时期艺术专场34件作品全部成交，成交额为1018万元;二十世纪艺术39件作品，成交额为1441万元，成交率为69%;另一个常设的当代艺术日场134件作品，成交额为2986万元，成交率为66%。当代艺术成交前十名中，多数作品来自于当代艺术夜场和“85新潮”三十年纪念夜场，石冲、丁方、余本、段建伟四位艺术家诞生了新的最高价纪录，段建宇、韦嘉、李晖等中青年艺术家的表现稳定，作品均在估价范围内顺利成交。“中国当代艺术并没有沦陷”夜场中最揪心的是封面作品能否拍好，可以说关乎整场的成败，来自于艺术家石冲《欣慰中的年轻人》担当起重任。在市场并不乐观的情况下，此作拍前高达2600万元的估价一度引发议论，收藏家唐炬坦言，“看预展时面对原作和岿然不动的底价权衡再三最终放弃对该作品的竞逐，并暗自为之能否在清冷的冬日里成交捏了一把汗。”早前在2007年北京保利秋拍中，《欣慰中的年轻人》曾经以1131万元成交。最终在嘉德夜场以3795万元成交，创下石冲个人拍卖最高价纪录，也是夜场中价格最高的作品。唐炬则选择了另一件拍品刘小东的《大雨(纽约)》，以1150万元的价格竞得。该作品曾在2011年4月3日的香港苏富比春拍上出现，最终以902万港元成交。据刘小东回忆，此画描绘的是美国艺术家约翰·埃赫恩为艾未未制作石膏像的场景。约翰·埃赫恩原本打算为艾未未、刘小东、喻红三人分别制作石膏像，但由于刘小东鼻炎发作，他便成了这一“历史”的描绘者。藏家在这场夜拍后感到欣慰。艺术市场必然受到经济形势影响，这是藏家应该接受和承受的事情，这个市场不会再像以前那么疯狂，而是更加理性、成熟。大众应该调整买涨不买跌的习惯，学会将把握市场调整期机遇作为常态。 编辑/ 朱冬

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“你小心点，这个盘子是我租的。”李小声提醒道。

2008年4月的早晨，在北京石莲路发生了一起悲惨的交通事故。一辆大货车与一辆出租车相撞，造成出租车司机当场死亡，公交车上一名乘客受伤。

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11月，今天，日本Oricon公布了期待已久的老牌项目“日本女性最想变成的脸”的排名，其中既有新一代美少女，也有十多年来一直保持魅力的中坚力量。同时，像石田百合子和井川春香这样的大龄美女在4岁和5X的女性中也很受欢迎！

2014年总共策划实现了12个展览，回顾这一年的展览，其实是围绕着三个关键词展开的。展览累加的过程中，可能没有清晰的规划，在发起展览或(选择判断之后)承接展览以及所引发的讨论形成了“语言?主体?历史”三个子问题群，并潜在地起到了支配作用。个人看来，这三个问题其实是中国当代艺术界迫切需要面对的。一、语言“语言”一直是中国当代艺术遭遇质疑的核心问题之一。“85美术新潮”时期的艺术家在吸纳借鉴的同时，作品了多了“现代主义”的影子。“政治波普”可以在前苏联艺术家的创作中发现类似风格。里希特的“平涂技法”在21世纪初到2008年成为诸多中国油画家优先选择的图像处理方法。更妄论装置作品的有意抄袭，或者无意撞车。中国当代艺术借用西方当代艺术通用艺术形式进行创作的同时，中国当代艺术的语言特征到底是什么?这是西方学术界经常诘问，也是中国当代艺术界频频反思的问题。这个看似“天问”的问题，其实具体化为西方艺术家面对中国古典油画、写实雕塑时表现更为具体——“你们还做这些一百多前的东西，到底要做什么呢?”回答这个问题并不难，也给出了各种版本的答案，问题的关键在于，这一传承脉络上的语言推进，在全球平面化的时下，中西艺术家几乎在同一个平台上竞技，中国艺术家现在已经可以做出标准化的当代艺术作品。但这种标准化的作品有没有问题?标准化能否就回避“语言”问题?刚刚开幕的香港巴塞尔博览会被吐槽，尽管有恶搞的成分，但没有合理的因素吗?基于这样的考虑，去年我策划的几个展览都试图展现中国当代艺术在语言层面所表现出的特质，或者叫做推进。最集中的展览是《第三种批判：艺术语言的批判性》(北京时代美术馆，2014年10月18日—11月4日)这个展览聚集了陈若冰、崔岫闻、刘韡、刘小东、李松松、蒋志、卢征远、马秋莎、邱志杰、任戬、隋建国、谭平、王光乐、王璜生、王华祥、徐冰、徐龙森、萧昱、于凡、杨心广、张培力、展望22位艺术家，凸显他们在艺术语言上的探索路径以及成果，并对中国当代艺术中的“前卫立场”、“题材批判”两种批判形式进行了美术史梳理。这些艺术家“身体”多样化的、特有的身体介入方式决定了他们的艺术语言的特质。在去除结果，关注过程，凸显时间流程，关注身体与物质的特有关系方面，他们的确在语言层面向前推进。与之相辅助的展览还有《形无形VisibleinvisibleIII》(北京鸿坤美术馆，2014年9月20日—10月26日)，《中国抽象艺术案例展》(北京德山艺术空间，2014年8月30日—11月20日)。前者推出青年艺术家的抽象作品，后者分为“物色”、“底线”、“体悟”三个单元，分时段进行展览，共有谭平、朱金石、马树青、王光乐、陈若冰等19位艺术家参展。策划这些展览，其实是在多年的当代艺术作品解读中，发现了一种特质，而这种特质内化于作品的语言之中，揉入了艺术家在传承传统、面对西方、现实遭遇中的真实体验。从这个层面上来讲，中国作为世界政治、经济、文化最“热闹”的区域，艺术界真正出现了链接现实的事实。这一“现实”或者被叫做“混杂的现代性”，或者叫做“镜像的西方”，亦或者叫做“传统的半真空带”。2014年12月26日，《四个人展出四张画的理由——‘四方工作室’艺术家语言的嬗变》在北京798圣之艺术中心开幕。这是2014年我策划的最后一个展览，“四方工作室”苏新平、谭平、王华祥、周吉荣四位艺术家每人展出一件近作，这一展览把文献梳理、作品在展场进行了有机结合，从而梳理这四位版画专业(石版、铜版、木刻、丝网)出身的17年的语言探索历程，也是给出了一个更具体的研究版本。二、主体自文艺复兴以来，“艺术家”这个称呼开始在欧洲获得独立身份，经历过现代主义的“艺术英雄”阶段，“艺术家”获得更加自由的空间，强调“艺术自律”的现代主义艺术史无疑慢慢将这些艺术家奉上了神坛。从尼采说“上帝死了”之后，艺术家在某种程度上侵占了神坛的一角。尽管在中世纪以及以前，他们更多是为神坛服务的奴婢。自古以来，中国的职业“画家”、“雕塑家”(或者统称为“职业艺术家”)从来没有很高的社会地位。只是更多文人介入绘画，才使其地位得以抬升，但是他们身份的真正获得是在20世纪。西方的社会分层机制影响了中国，“艺术家”逐渐成为一个可以与“读书人”(20世纪分化的一支被称为“知识分子”)平起平坐的社会角色。这是我们谈论“艺术家”的历史语境。当我们说“艺术家”，我们在说什么?说的是哪个类型的艺术家?我想很多人反映出的是现代主义的“艺术英雄”们，梵高、塞尚、高更、毕加索、马蒂斯……中国与之对应的林风眠、庞薰琹、关良、常玉、潘玉良、赵无极、吴冠中……杜尚颠覆了现代主义的艺术自律模式之后，我们怎么看艺术家呢?随之而来的社会文化史的研究方法更是从各种角度指点出这些“艺术英雄”与社会的更深层的关联性。杜尚之后又出现了博伊斯，随后的安迪?沃霍尔、杰夫?昆斯、村上隆，接连颠覆“艺术”和“非艺术”的界限，于是有艺术史学惊呼：“艺术死亡了”!这一得到发展的艺术史脉络以共时性的方式在中国纷纷登场，各有一批拥戴者。中国当代艺术以其“批判性”、“介入性”、“问题针对性”为其主要基点，其实和康有为、陈独秀、徐悲鸿及其学生等等有更多的潜在的关联性。上述两个貌似对立的艺术史阐释模式无时不在影响着中国艺术家。在潮流的激荡中，在现今的政治、经济、文化语境的笼罩下，很少有青年人能成为时代的“冲浪者”。技术难以对付情景的时候，做一两声尖叫，或许能引来更多的关注，这也就是“戾场”的由来。纵观这十几年的中国当代艺术，多少青年艺术家采用这样的方式，并策略性地充当“事件艺术家”?当短暂的浪花平息之时，发现自己只是一个尴尬的裸奔哥?不“立”何来“场”?中国当代艺术的转型期是否已经到来?包括我在内的所有人可能都只感觉到一个朦胧的意象。但基于对自我主体的塑造与深入挖掘、对社会问题更细致关注的心态已经出现，这不能不让人惊喜。“从戾场到立场”与其说是一个判断，不如说是一份期盼。抛出这个问题本身可能会引来更多的警觉，这份警觉不仅对艺术创作有益，对批评行为、策展活动、当代艺术史的书写可能都有所价值?中国当代艺术在依仗、展现、塑造何种主体性?在对“主体”问题的思考下，2014年策展的第一个展览《当我们说艺术家的时候，我们在说什么?——罗苇个展》(北京草场地AmyLi画廊，2014年6月15日—7月27日)开幕。随后，和胡斌、鲁明军合作策展《旋构塔——2014中国艺术家推介展》(北京时代美术馆，2014年7月12日—7月31日)。三位策展人围绕青年艺术家的主体问题各自提出了子问题，我提出的问题是“从戾场到立场”，并组织学者、诗人西川、吴琼参与讨论。在2014年持续推进，最终于武汉华侨城实现的《新视觉艺术节：透视之眼——东湖2014青年雕塑家邀请展》开幕式上，年青一代的雕塑家也就这一问题提出了自己的看法。他们已经不满足于简单对抗的艺术家存在状态，而表现出更多的参与意识，合作意识，进入具体公共空间的有所作为，提高大众审美能力的期盼。三、历史历史在时下以各种变体存在，并发挥作用，现实绝非当下事件的简单组合，它有或长或短的脉络连向过去，注入当下。并夹杂着人们对未来的各种期待、预设、判断——类似一个锈迹斑斑、边缘参差不齐的剪刀，将预测者的目光剪断，或助长，或消弱人们的热情。每个人的选择既决定于历史的惯性，也取决于未来对现在的渗透。或许没有一个时代比现在人们看“历史”的视角更加多元化。其背后是内忧外患的历史困境;中西、古今的时空锉刀;传统失联、信仰真空而导致的价值错乱;西方各种理论体系在中国的鱼贯而入，而对其理论所针对问题的无视;主流意识形态理论框架对特定阶段历史事实的有意或无意遮蔽等等。2014年的策展工作并没有围绕更宏观的历史进行，有两个展览与中央美术学院学术传统有关，一个是《凝铸的温度——中国第二代雕塑家司徒杰》(中央美术学院美术馆，2014年8月5日—9月10日)，一个是《谢东明个展2004—2014》(中央美术学院美术馆，2014年5月31日—6月30日)。20世纪20年代到1937年抗日战争全面爆发，乃至1949年之前，“中国第一代雕塑家”陆续回国。他们基于个人创作和展览以及教学活动和研究活动，将“现代雕塑”引入中国。他们中有江小鹣、李金发、王静远、刘开渠、曾竹韶、滕白也、岳仑、潘玉良、梁竹亭、王临乙、郑可、王石之、张充仁、程曼叔、周轻鼎、萧传玖、滑田友、王子云、廖新学等40多位雕塑家。在他们的教学活动中，逐渐培养出“中国第二代雕塑家”，比如王朝闻、傅天仇、司徒杰、卢鸿基等。“中国第二代雕塑家”是民国雕塑教育培养出来的精英，1949年后，大多进入高校等美术机构，他们成为衔接民国、新中国雕塑教育的重要一环。司徒杰先生就是其中一位重要的雕塑家、教育家。这一展览将司徒杰先生作为“中国第二代雕塑家”的代表人物进行展览，就是要在20世纪雕塑史研究的相对薄弱领域，以个体艺术家展览的方式进行更为深入的梳理，重新审视20世纪中国现代雕塑的发展历程，并展现这代雕塑家与之前、随后几代雕塑家的承继关系。从而将20世纪雕塑研究向更为深入的层面拓展。展览共分为三个单元：第一单元：纪年与纪念——时代碑影;第二单元：民间与民鉴——抟土塑人;第三单元：新火与薪火——世纪传承。《谢东明个展2004—2014》则是梳理中央美院油画系代表中年画家谢东明的近10年的创作历程。中央美术学院一直是谢东明学习、工作、创作的所在，他所处的氛围不但滋养了他，他也是构建这一个学院氛围的重要元素。从他留校带的第一届学生刘小东、喻红，到N12的宋坤、仇晓飞，谢东明手下出了很多出色的学生，并都形成自己特有的油画语言。师生、同事之间的直接交流一直是美院的特有传统。朱乃正先生与陈丹青的神交，靳尚谊先生对徐冰素描《大卫》的肯定，90年初中年批评家对“新生代画家”的推出，都是这样的例子。美院这样的例子很多，因为这里有很多毒辣的眼睛，穿越风格与流派的隔阂，发现可能的基因。“眼睛”的背后是他们多年养成的素养，这里面凝聚着一种品质。谢东明与许多学生的交流，可能非许多局外人所设想的那样“学院与当代”泾渭分明，而更多是“传承与转化”水到渠成。在和他的几位学生的聊天中，这一判断被屡屡证明。2014年已然过去，2015年的策展工作已经开始。2015年3月21日，《四个人展出四张画的理由——‘四方工作室’艺术家语言的嬗变》巡回到深圳展出，接下来，巡展工作会继续进行。2015年已经确定的几个展览除了会继续围绕以上三个问题，会重新开启几个新的线索，比如《灵》展览，会从新的角度探索“主体建构”的可能性，并为强调“意义明确”的当代艺术界提供新的维度。酝酿已久的“素人作品展览”(题目未定)，会发掘艺术作品形成的源头问题，并对标准化的“艺术家”的身份问题提出建构性意见。